Zwei aufstrebende Designer, die in der Antike Trost finden

Der 33-jährige Designer Max Zinser begann mit dem Bau von Sets für die Modebranche. Nach seinem Abschluss an der NYU, wo er Psychologie und Architektur studierte, nahm er unvorhersehbare, oft chaotische, freiberufliche Jobs an, um Requisiten zu beschaffen (z. B. ein Valentino-Fotoshooting mit niederländischem Master-Thema) und aufwendige Runway-Umgebungen für Marken wie Marc Jacobs zu konstruieren. „Nach einem bestimmten Punkt wollte ich an Projekten mit größerer Beständigkeit arbeiten“, sagt er. Aber die Arbeit half ihm, einen Weg zu finden, auf dem er seine Leidenschaft für Design, die er in seiner Kindheit entwickelt hatte – er wuchs in Washington, DC, mit einem Architektenvater und einer Malermutter auf – in einen Beruf umwandeln konnte.

Er begann mit der Gestaltung von Ladeneinrichtungen und war bis 2017 ein begehrter Schöpfer des „stationären“ Erlebnisses, das für charakteristische Räume wie den errötenden rosa und kirschroten New Yorker Außenposten der Schönheitsmarke Glossier verantwortlich war, den er mit seinem damaligen Außenposten realisierte -Partnerin Kate McCollough. 2019 gründete er sein eigenes Designstudio und startete Projekte, darunter einen eleganten Showroom mit Vintage-Möbeln für die Row in der in Dallas ansässigen Boutique Forty Five Ten. Und obwohl er sich manchmal Sorgen machte, dass sein Portfolio vielleicht etwas zu breit gefächert war – und ihm die Art von sofort erkennbarem Abdruck fehlte, der für den Erfolg vieler junger Macher in einer sich schnell verändernden visuellen Kultur, die von sozialen Medien beherrscht wird, entscheidend ist -, ist er jetzt sieht dies als Stärke. “Ich bin gekommen, um die Breite meiner Arbeit zu schätzen und dankbar zu sein”, sagt er. “Es ist ein Spiegelbild meiner Fähigkeit, Schönheit und Aufregung in so vielen verschiedenen Welten zu finden.”

Diese Woche wird Zinser mit der Veröffentlichung seiner ersten Möbelkollektion, die vom berühmten Möbelhersteller Atelier Viollet aus Brooklyn produziert wird, in eine andere ästhetische Welt eintreten. Mit dem Titel Monument ist es eine fünfteilige Ode an Zinsers Tendenz, Objekte als Lebewesen zu betrachten. Sie besteht aus einem Stuhl, einer Bank, einer Chaiselongue, einem Hocker und einem Beistelltisch aus Eichenholz in vier benutzerdefinierten Beizen (schwarz, dun, sand und tief) schokoladenbraun) inspiriert von den prächtigen Holzarbeiten des französischen Innenarchitekten Jean-Michel Frank aus den 1930er Jahren. „Ich habe eine Familie abstrakter Tiere geschaffen“, sagt Zinser über seine kinetischen Formen, die mit ihren ausdrucksstarken und meist fußbeinigen Beinen jeweils die Silhouette eines kleinen Säugetiers zaubern, das sich hockt, faulenzt oder aufmerksam steht. „Im Laufe der Jahre hatte ich eine Sammlung von Inspirationsbildern zusammengetragen, darunter Bilder von Bronzeformen von Diego Giacometti, Karyatiden, altägyptischen Möbeln und Werken von Constantin Brancusi und Pierre Legrain. Ich fand überall ein laufendes Thema: dass jedes Stück eine Art Kreatur war. “

Seine Forschungen zu altägyptischen Möbeln erwiesen sich als besonders fruchtbar. Ein Aufsatz von Nora Scott, von 1930 bis 1972 Kuratorin am Metropolitan Museum of Art, führte ihn in die Idee ein, dass viele alte Ägypter wie Zinser glaubten, Möbel seien in gewissem Sinne lebendig. Darüber hinaus wurde Holz in dieser Zeit als kostbares und verdünntes Material angesehen; Lokale Sorten wie Akazien waren in der Regel spröde, weshalb Holz für große Möbelstücke in der Regel importiert wurde, und Handwerker bevorzugten Furnier aufgrund seiner Effizienz und Festigkeit häufig festen Konstruktionen. „Wir sollten heute genauso über Holz denken“, sagt Zinser, der auf Vorschlag von Jean-Paul Viollet, dem Kreativdirektor von Atelier Viollet, seine eigenen Stücke aus Eichenfurnier herstellte. “In einer Welt der Entwaldung und des Klimawandels müssen wir uns bewusst sein, wie wir unsere knappen Ressourcen nutzen.” Um den Abfall weiter zu minimieren, werden alle Designs auf Bestellung gefertigt. Sie können auf der Zinser-Website erworben werden und werden in aufgenommenen Weichzeichnerbildern angezeigt von dem Fotografen Richie Talboy, der die Taktilität der Sammlung betont und eine Pause vom Zustrom von Airbrush-Bildern und offen glänzenden Bildern bietet, die so oft unsere Feeds füllen. “Ich hoffe”, sagt Zinser, “wieder eine Verbindung zu realen Dingen herzustellen.”

Er ist nicht der einzige Hersteller, der versucht, mit alten Techniken und zeitlosen Materialien Ästhetiken aus der Welt des schnellen Designs herauszuwerfen. Matthew Fisher, ein in Virginia geborener Handwerker aus New York, der sich dem Design verschrieben hat, nachdem er seine Träume vom Werden aufgegeben hatte Ein professioneller Balletttänzer nach einer Verletzung am Karriereende ist seit langem von der klassischen Antike fasziniert. Diese Woche, Er wird seine erste Sammlung von Objekten unter seinem eigenen Namen veröffentlichen. Handgefertigt aus uralten Rohstoffen, die er manipuliert hat, um moderne Formen anzunehmen, sind sie weichkantig Schalen und Urnen aus Flechtenmarmor und Borosilikatglas, tief liegende Travertinsockel mit Details, die von den Konturen alter Aquäduktsegmente inspiriert sind, und Säulenvasen aus schwarzem und hellbraunem Sand, die aus sandgestrahltem Eschenholz geschnitzt wurden und die der 31-jährige Fisher wiederholt verbrannte und verkohlte, um ein zeitgemäßes, abgerundetes Ergebnis zu erzielen aussehen.

Die Sammlung spiegelt die Einflüsse seines paläontologischen Vaters und seines Zeichnergroßvaters wider, sagt er. Es markiert auch die Verwirklichung von Entwürfen, die er sich ausgedacht hatte, die er jedoch zu Beginn seiner Karriere nicht ausführen konnte, als er an aufeinanderfolgenden Projekten im Bereich Gastgewerbe und Hoteldesign arbeitete. (Seit 2017 betreibt er auch sein eigenes Studio, Mulberry Black, das für Kunden in der Kunst- und Designwelt Sonderanfertigungen und ortsspezifische Arbeiten aus Naturstein herstellt.) „Ich war es leid, diese tempelartigen Räume zu schaffen, die wir haben.“ Ich würde so viel von uns hineinschütten, nur damit sie in drei Jahren schließen können “, sagt er. „Mein Vater, der für das US Geological Survey arbeitete, hat mich einem bestimmten Zeitkonzept ausgesetzt, bei dem viele Kinder nicht unterrichtet wurden. Materialien wie Stein und Holz helfen mir, mich mit dieser Langlebigkeit, diesem Gefühl der alten menschlichen Geschichte zu verbinden. und meine Erziehung. “

Fisher merkt an, dass er, obwohl er “nie daran interessiert war, Dinge zu schaffen, die wild modern aussehen”, hofft, dass seine Objekte den Raum zwischen Vergangenheit und Gegenwart überspannen. In der Tat war es erst im letzten Frühjahr, als sich die Aufträge während New Yorks erstem Lockdown zu verlangsamen begannen, dass Fisher mehr Stunden seiner persönlichen Praxis widmen und diese Objekte entwickeln konnte, die er einige Jahre zuvor für Freunde und Familie hergestellt hatte. in eine formale Sammlung. “So viele Dinge, von denen ich dachte, dass sie wichtig sind, um meine Zeit damit zu verbringen, wurden weggeschoben”, sagt er, “und das, was mir Trost bot, wurde, wie ich erkannte, viel wichtiger.” Das langsame und entschlossene Herstellen von Objekten aus Materialien wie Holz und Stein, wie es die Hersteller seit Jahrtausenden tun, war eine grundlegende Erfahrung, in der die Zeit still zu stehen schien. “Der Druck, ständig kreativ zu sein, ist immer da”, sagt er. “Aber es war schön, nicht so vollständig von ungezügelten Informationen überschwemmt zu werden – gemessen und absichtlich.”

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